Hollywood-Horrorlegende enthüllt den Albtraum, aus dem ein neues Projekt wurde

Eine stillgelegte Kirche verbirgt einen Eingang zur Unterwelt. Dahinter liegt eine albtraumhafte Welt voller Dämonen, Gewalt und Opfer, die grotesken körperlichen Verwandlungen ausgesetzt sind. Die Bildsprache besitzt die Größenordnung eines Films von John Carpenter – doch ihren Ursprung hatte sie weder in einem Drehbuch noch in einem Studioprojekt.

Die Idee kam der Horrorlegende 2024 in einem außergewöhnlich lebhaften Traum. Statt die Vision nach dem Aufwachen verblassen zu lassen, begann er, sie zu Cathedral auszuarbeiten – einer Graphic Novel, die es ihm ermöglicht, Horror durch Illustrationen statt durch Realfilm zu erzählen. Begleitet wird das Projekt von einem Album, das auf der Wucht, dem Rhythmus und der unheilvollen Atmosphäre des Heavy Metal basiert.

Nach Angaben von Sacred Bones Records ist jede Komposition mit einem bestimmten Abschnitt der illustrierten Handlung verknüpft. Die Musik dient daher nicht lediglich als Werbematerial oder eigenständige Veröffentlichung. Sie ist Teil der Erzählung und verleiht den Bildern zusätzliche Atmosphäre und Dynamik, während die Handlung immer tiefer in die übernatürliche Welt eintaucht.

„Ich habe nur selten filmische Träume, aber das war einer davon“, sagte Carpenter in einem kürzlich veröffentlichten Interview mit The Guardian.

Das Format passt zu dem Weg, den Carpenter eingeschlagen hat, seit er sich aus der regelmäßigen Spielfilmproduktion zurückgezogen hat. Die Arbeit mit Comics und Musik bietet ihm eine weitere Möglichkeit, Spannung aufzubauen, verstörende Welten zu erschaffen und den Ton einer Geschichte vollständig zu kontrollieren. Gleichzeitig entgeht er vielen praktischen und kreativen Belastungen, die mit der Leitung einer großen Filmproduktion verbunden sind, ohne dabei die Unabhängigkeit aufzugeben, die seine Karriere geprägt hat.

Warum Hollywood ihn zermürbte

Carpenter sagte der Zeitung, dass seine Liebe zum Kino niemals verschwunden sei – ebenso wenig wie sein Interesse am Handwerk des Filmemachens. Geändert habe sich lediglich seine Bereitschaft, weiterhin im Hollywood-Studiosystem zu arbeiten, in dem kreative Entscheidungen häufig Gegenstand langwieriger Verhandlungen und Konflikte seien.

Diese wiederkehrenden Auseinandersetzungen hätten ihn nach und nach persönlich zermürbt. Regie zu führen habe nicht nur bedeutet, Schauspiel, Bild und Ton zu gestalten, sondern auch Entscheidungen gegenüber Produzenten, Studioverantwortlichen und anderen wirtschaftlichen Interessen ständig verteidigen zu müssen. Mit der Zeit sei dieser Prozess immer weniger erfüllend geworden, obwohl ihm die eigentliche Arbeit weiterhin viel bedeutet habe.

Diese Spannungen erklären, warum sich Carpenters Karriere nicht allein daran messen lässt, wie seine Filme bei ihrem Kinostart abschnitten. Viele seiner Werke waren zunächst keine kommerziellen Erfolge, und einige wurden bei ihrer Veröffentlichung gemischt oder sogar ausgesprochen negativ aufgenommen. Erst später stieg ihr Ansehen, als neue Generationen von Zuschauern, Kritikern und Filmschaffenden die Präzision seiner Bildsprache, die Effizienz seines Erzählstils und die politischen Untertöne seiner Werke neu bewerteten.

The Thing, The Fog, Escape from New York und Assault on Precinct 13 entwickelten sich zu dauerhaften Referenzwerken des Horror-, Science-Fiction- und Actionkinos. Ihr Einfluss wuchs schrittweise – oft lange nachdem ihre ursprünglichen Einspielergebnisse längst in Vergessenheit geraten waren.

Halloween war die deutlichste Ausnahme. Laut The Numbers belief sich das Produktionsbudget auf 325.000 US-Dollar, während der weltweite Einspielertrag rund 70,3 Millionen US-Dollar erreichte. Dieses Ergebnis zeigte eindrucksvoll, wie erfolgreich ein kostengünstig produzierter Horrorfilm ein Massenpublikum erreichen konnte, wenn Spannung, Tempo und Atmosphäre mit großer Präzision umgesetzt wurden.

Carpenter erklärte gegenüber The Guardian, dass er niemals versucht habe, eine Vorlage für die spätere Welle von Slasherfilmen zu schaffen. Sein Ziel sei unmittelbarer gewesen: zu kontrollieren, was das Publikum sieht, es im Ungewissen darüber zu lassen, woher die Gefahr kommen könnte, und das Filmerlebnis wie eine sorgfältig inszenierte Achterbahnfahrt wirken zu lassen.

Der spätere Einfluss des Films war enorm. Carpenter selbst betont jedoch, dass es ihm um filmische Technik und nicht um die Schaffung eines neuen Genres gegangen sei. Er habe das Publikum im jeweiligen Moment erschrecken wollen – nicht eine Formel für eine ganze Branche entwickeln.

Seine Filme leisteten weiterhin Widerstand

Carpenter führt einen Teil seines Misstrauens gegenüber Macht auf seine Kindheit im Kentucky der Jim-Crow-Ära zurück. Nachdem seine Familie nach Bowling Green gezogen war, fühlte er sich als Außenseiter und wurde von anderen Kindern körperlich angegriffen. Diese Erfahrungen machten ihn misstrauisch gegenüber Konformität und Autoritäten.

Diese frühen Spannungen fanden später ihren Ausdruck in den Welten, die er auf der Leinwand erschuf. Seine Filme stellen Institutionen nur selten als verlässlich oder die gesellschaftliche Ordnung als stabil dar. Stattdessen zeigen sie häufig, wie alltägliche Umgebungen von Kräften untergraben werden, die Menschen entweder nicht erkennen oder bewusst ignorieren.

In Halloween dringt die Bedrohung in eine ruhige Vorstadtsiedlung ein und verwandelt vertraute Straßen und Häuser in Orte des Schreckens.

Escape from New York zeichnet das Bild einer Regierung, die auf gesellschaftlichen Zusammenbruch mit Repression und Vernachlässigung reagiert.

In They Live werden Werbung und Konsumkultur zu Instrumenten verborgener Kontrolle, die soziale Ungleichheit hinter einer Fassade der Normalität verbergen.

Die politische Botschaft von They Live hat sich als besonders langlebig erwiesen. Carpenter sagte, dass der im Film kritisierte Konsumismus und die wirtschaftlichen Ungleichheiten nicht verschwunden seien, sondern sich seiner Ansicht nach seitdem sogar weiter verschärft hätten.

Die prägnanten Slogans und die markante Bildsprache des Films haben weit über seine ursprüngliche Veröffentlichung hinaus Wirkung entfaltet. Sie tauchten in der bildenden Kunst, in Werbeparodien, Protestmotiven und Internet-Memes auf und ermöglichten es den Ideen des Films, auch ein Publikum zu erreichen, das ihn nie im Kino gesehen hatte.

Diese anhaltende Aktualität erklärt mit, warum Carpenters Werk häufig als weit mehr als bloße Genrekost betrachtet wird. Seine Filme nutzen Horror, Science-Fiction und Action, um zu hinterfragen, wer Macht besitzt, wem sie nützt und wie leicht Menschen dazu gebracht werden können, die Systeme um sie herum zu akzeptieren.

Heute bringt Carpenter diese künstlerischen Impulse durch eine andere Kombination von Ausdrucksformen zum Ausdruck. Gemeinsam mit seinem Sohn Cody Carpenter und seinem Patensohn Daniel Davies nimmt er Musik auf und tritt auf. Dabei verbindet er elektronische Kompositionen mit Atmosphäre und erzählerischen Elementen.

Cathedral führt diesen Ansatz fort, indem Musik nicht nachträglich hinzugefügt wird, sondern von Beginn an Teil der Erzählung ist. Das Projekt ermöglicht es Carpenter, eine weitere düstere und präzise kontrollierte Welt zu erschaffen, ohne zu den großen Filmproduktionen, Auseinandersetzungen mit Studioverantwortlichen und dem Studiodruck zurückkehren zu müssen, die ihn schließlich von der regelmäßigen Spielfilmregie wegführten.

Quellen: The Guardian, Sacred Bones Records, The Numbers